Some Writing on Painting


German Version below...



­Some Thoughts on Painting


To me, painting is foremost a language, one that communicates on a profound level akin to dreams

or deep meditations. Like these experiences, paintings possess a complex nature that can be both

confounding and enlightening. They may present themselves as enigmatic puzzles, challenging us

to decipher their meaning, or as clear and lucid as day, delivering an unmistakable message.

The meaning is often found in between the lines, reminiscent to an oracle. What you usually take

away from engaging with art is a bodily or mental taste, flavor or frequency, that echoes through

ones being. 

As I understand every human being as equal and at the same time absolutely unique, I am fascinated

how art resonates different in each one of us. One cannot help but marvel at the kaleidoscope of

responses elicited by art. It is this phenomenon that continues to intrigue and inspire, as we witness

the profound impact of art upon the human psyche. I know that art can change the state of ones mood,

the way one thinks, or even the way ones life unfolds, because I have experienced it myself. From stirring

emotions to challenging preconceptions, art has the remarkable ability to challenge and shape our

perceptions and provoke introspection. We are still waiting for the science to tell us what is going on,

until then and after then we keep on listening to music, dance to drums, watch films in cinema, or

memes on our phones and look at paintings and let the works of art do their magic on us.





To transform a painting into a battery it needs moments of attention and the solving of one or a

succession of riddles. The canvas is charged by the work that is going into it and saves the energy

that went into the making of the picture. The challenge is like reaching the centre of a complex and

dangerous labyrinth. On the way there one has to form keys, find secret pathways, make decisions

and answer to oracles in the right way, in the right language, with the right intonation and frequency.

Often the first layer of a riddle is to find out what the riddle actually is. Each step charges the battery

further. There are no shortcuts, solving one level gives access to the next. One quest after the other,

a bit similar to a Rubik´s cube. When the last obstacle is taken and the last riddle solved and one

enters the centre of the labyrinth, you did it… the battery starts glowing, starts to shine and to emit

energy by itself. It is now an energy storage device and passes on energy generously or faintly, that

depends on its making. It stores all the moments of attention and riddle solving in itself which can

then be received, in the moment of contemplation, in the now.





The works which are painted in Un-Realism are based on tiny scraps of image information, excerpts.

Ultimately they represent abstractions of reality. A screenshot of a video from the news in youtube

is not reality. These visual scraps serve me as source material. This is the first level of Un-Realism.

The second way to approach Un-Realism is by exchanging the hyphen with different extensions to

the first syllable “un”. Some examples: unlikely, unbelievable, indescribable, unfathomable, undividable,

unending, uncanny. The hyphen acts as a kind of blackbox which allows multiple possible variations,

depending on the chain of associations by the reader, whereas my own associations rather point into

the absurd, that which can hardly be understood, that which might be too much to grasp.



Unwanted Inspiration


The flood of images that reaches many of us daily, has come to a moment of oversaturation. We are

overflown by images and information whether we want it to or not. Being aware of that is good and

filtering from that is inevitable. This flood of images and information can become a source of inspi-

ration to create art, even though it was not freely chosen, in the sense of our lack of control against

the scale of pace in which this imagery penetrates our imagination. The great power of art is its ability

to ferment and transmutate the things and events that one does not understand in a way that one

might be able to grasp them. To bring them into a new form, so that they somehow make sense,

even this sense remains vague and hard to put into words. Sources for unwanted inspirations are, 

for example, informations from the news media, facts about the history of mankind and its absurdities

or the horror of colonialism or the second world war, which affect me personally due to my family

history. Traumatic experiences, may they be individual or collectively on a society level, lead to

unwanted inspiration, dragging us into a state of interrogation. A very foundational one is probably

the riddle of our existence as humans, our fear of death and to ask ourselves about the meaning of life?

It is unwanted in the sense that we need to digest these impressions and questions, in order to somehow

understand them. Art can help us to do that, giving us the time to transform them.



Drawing, Writing


Painting to me is based on drawing, and drawing, I am realizing more and more is rooted in writing.

The lines and colours tell a story, not only in the way in which they have the capacity to show or describe,

but in how they do it: thick lines, thin lines, faint lines, fat lines, fast lines, bristled lines, and so on.

What is the drawing telling us?  What is the story? What does this language of gestures say? The colours

might influence the mood, the atmosphere. They, create a temperature, a climate, while the contrasts

and composition provide the dramaturgy.  The lines might give rhythm and the empty spaces represent

what has not been said or cannot be said. We wonder: Does this story make any sense? It might be

adventurous, humorous, horrendous, nonsensical, touching or a combination of these. To some,

of course,  it might not say anything at all.

Furthermore, there can be grades of intimacy, shades of honesty, levels of absurdity in an artwork.

All this is true not only for drawing, but also for writing, painting and poetry. It is about illuminating

up a character crystalizing through matter. Telling a truth even if this truth is a contradiction, a labyrinth,

a paradox in itself. The drawing, the painting, the writing is helping to transform, helping to transmutate,

helping to heal. But to heal from what? To heal from experience, to heal from history, to heal from life.

We all live, so we all need healing, again and again, continuously.





The drummer Tony Allen plays as if he is listening to a rhythm coming  out of another sphere and trans-

lating it into the here. As if he were listening to an “elsewhere”. So how does someone delve into this

seemingly existing band of frequencies which is a well for art? How to tune the inner antenna to receive

this stream of apparently endless possibilities? How do we learn to listen? Is it less reason, more intuition?

Is it about letting oneself be led, having complete trust? What feels right? What does the rhythm demand?

In the end it is a symbiosis, a dialog between the rhythm and melody and the receiver.





The fog lies between the things. On the one side it surrounds all the shapes and by that it highlights

coherences among them. And, and on the other side, it veils and makes things invisible. The fog creates

the possibility to paint something that  is blind to our attention / perception, something that is hidden,

in its meaning or appearance, something that is currently covered. The blind spot moves then to the center,

and the fog portends a dissolution and acts as the doorway into the sphere of imagination in which the free

associations of the viewer form a space of their own.



Oscillation and The Dancing Line


Two things, which are important to me in painting. One I call oscillation. Over the years I noticed that, my

favorite pictures are those from which some sort of oscillation emanates. Of course a canvas is a flat, two

dimensional surface but if one observes it there is the impression  that it wobbles or the air just before

the image is moving. Almost as if the canvas is breathing. Sometimes it takes  time to achieve it, some-

times it does not happen, but sometimes it does. Then I call it Oscillation. The other thing is The Dancing Line.

We all have it when we are kids. When one is growing up and starts reflecting about what one is doing,

you begin to tell yourself, what the hell am I doing here? I also lost The Dancing Line on the way and I was

fighting the last years to regain it. It is a free, brave line, it is natural and authentic and I am very grateful

that it came back to me.






Einige Gedanken zur Malerei


Für mich ist Malerei in erster Linie eine Sprache, eine die auf einer tiefgründigen Ebene kommuniziert,

ähnlich wie Träume oder eine tiefe Meditationen. Wie diese Erfahrungen besitzen Gemälde eine komplexe

Natur, die sowohl verwirrend als auch erleuchtend sein kann. Sie können sich als rätselhafte Puzzles

präsentieren, die uns herausfordern, ihre Bedeutung zu entschlüsseln, oder so klar und deutlich wie

der Tag, eine unverkennbare Botschaft übermitteln. Die Bedeutung findet sich oft zwischen den Zeilen,

ähnlich einem Orakel. Was man in der Regel aus der Auseinandersetzung mit Kunst mitnimmt, ist ein

körperlicher oder geistiger Geschmack, eine Frequenz, die durch das eigene Wesen hallt.

Da ich jeden Menschen als gleich und gleichzeitig absolut einzigartig betrachte, bin ich fasziniert davon,

wie Kunst in jedem von uns unterschiedlich mitschwingt. Man kann nicht anders, als das Kaleidoskop der

Reaktionen zu bewundern, die von Kunst hervorgerufen werden. Es ist dieses Phänomen, das weiterhin

fasziniert und inspiriert, während wir den tiefgreifenden Einfluss von Kunst auf die menschliche Psyche

beobachten. Ich weiß, dass Kunst den Gemütszustand eines Menschen verändern kann, die Art und Weise,

wie man denkt, oder sogar die Art und Weise, wie sich das eigene Leben entfaltet, weil ich es selbst erlebt

habe. Von bewegenden Emotionen bis hin zu in Frage stellen von Vorurteilen hat Kunst die bemerkenswerte

Fähigkeit, unsere Wahrnehmungen herauszufordern und zu formen, sowie zur Selbstreflexion anzuregen.

Wir warten immer noch darauf, dass uns die Wissenschaft erklärt, was da genau bei uns im Inneren passiert,

bis dahin und auch danach hören wir weiterhin Musik, tanzen zu Trommeln, schauen Filme im Kino oder

Memes auf unseren Handys an und betrachten Gemälde und lassen die Kunstwerke ihre Magie auf uns wirken.





Um eine Malerei in eine Batterie zu verwandeln braucht es Momente der Aufmerksamkeit und das lösen

eines oder einer Reihe von Rätsel. Die Leinwand wird aufgeladen durch die Arbeit die in sie einfliesst

und speichert die Energie die in die Herstellung des Bildes eingegangen ist. Aber Fleiss und Aufmerksamkeit

alleine reichen nicht aus um Holz, Baumwolle und Farben in eine vollständig geladene und aktivierte Batterie

zu transformieren. Die Herausforderung ist wie das Zentrum eines komplizierten und gefährlichen Labyrinths

zu erreichen. Auf dem Weg dorthin muss man, Schlüssel formen, Geheimgänge finden, Entscheidungen treffen

und Orakeln die richtige Antwort geben, auf die richtige Weise, in der richtigen Sprache, in der richtigen

Betonung und Frequenz. Oft ist die erste Ebene eines Rätsels herauszufinden was überhaupt das Rätsel ist.

Jeder Schritt lädt die Batterie weiter auf. Es gibt keine Abkürzungen, das lösen einer Ebene, ermöglicht den

Zugang zur nächsten, ein Quest nach dem anderen, etwas ähnlich wie ein Zauberwürfel. Wenn die letzte Hürde

bewältigt und das letzte Rätsel gelöst werden kann und man in das Zentrum des Labyrinths gelangt, hat man

es geschafft… die Batterie fängt an zu glühen, fängt an zu leuchten und fängt an von selbst Energie abzugeben.

Sie ist nun ein Energiespeicher und gibt großzügig oder fein, je nach Machart, Energie weiter. Sie speichert all

die Momente der Aufmerksamkeit und des Rätsel lösens in sich und diese können dann abgerufen werden, im

Moment der Betrachtung, im jetzt. 





Die Bilder die im Un-Realismus gemalt sind, basieren auf kleinen Fetze von bildlichen Information, Auszügen

und im Endeffekt Abstraktionen der Realität. Ein Screenshot aus einem Video aus den Nachrichten auf Youtube

ist nicht die Realität. Diese Schnipsel dienen als Quellmaterial für die Malerei. Das ist die erste Ebene der Un-Realität.

Die zweite Form den Un-Realismus zu verstehen ist über die Trennung des Wortes und das Einsetzen verschiedener

Spezifikationen anstelle des Bindestrichs. Folgende Beispiele; unwahrscheinlich, unglaublich, unbeschreiblich,

unfassbar, untrennbar, unendlich, unheimlich. Der Bindestrich agiert als eine Art Blackbox die verschiedene

Variationsmöglichkeiten zulässt, je nach Assoziationsketten, der Leser, wobei meine eigenen Assoziationen

eher in das absurde, das schwer zu verstehende und das ‚zu viele‘ deuten. 



Ungewollte Inspiration


Die tägliche Bilderflut die viele von uns erreicht, hat einen Punkt der Ultrasättigung erreicht. Man wird mit

Bilder und Informationen geflutet ob man will oder nicht. Sich darüber im klaren zu sein ist gut und daraus

zu filtern zu können unumgänglich. Diese Flut von Bildern und Informationen können zu einer Quelle von

Inspirationen werden, Kunst zu schaffen, obwohl diese nicht frei gewählt wurden. Die große Stärke der Kunst

ist es die Dinge und Geschehnisse die man nicht versteht so zu fermentieren, zu transmutieren, das man sie

besser fassen kann. Sie in eine neue Form zu bringen, so dass sie irgendwie Sinn ergeben, auch wenn selbst

dieser Sinn wage bleibt und schwer in Worte zu fassen. Quellen für ungewollte Inspirationen sind z.B. Infor-

mationen aus den Nachrichten, Fakten aus der Geschichte der Menschheit über Absurditäten oder Schrecken,

z.B. Kolonialismus oder der Zweite Weltkrieg. Traumatische Erfahrungen sei es individuell oder gesellschaftlich

führen zu ungewollter Inspiration. Eine sehr grundlegende ist wohl das Rätsel unserer Existenz als Menschen,

unsere Angst vor dem Tod und was ist der Sinn des Lebens? Ungewollt deshalb weil wir diese Eindrücke und

Fragen verdauen wollen, irgendwie verstehen wollen, transformieren müssen und Kunst kann uns dabei helfen.



Zeichnen, Schreiben


Für mich liegt die Basis der Malerei in der Zeichnung und das zeichnen ist dem schreiben nah verwandt.

Die Linien und Farben erzählen eine Geschichte und das nicht nur was die Linien beschreiben sondern wie;

dick, dünn, fett, schnell, borstig usw. Was erzählt und diese Zeichnung oder Malerei? Was ist die Geschichte?

Die Farben beeinflussen die Stimmung, die Atmosphäre, schaffen eine Temperatur, ein Klima, die Kontraste

und Komposition schaffen eine Dramaturgie. Die Linien geben den Rhythmus an und leere Stellen stehen dafür

was nicht gesagt wurde oder nicht gesagt werden kann. Wir stellen uns die Frage: macht diese Geschichte Sinn?

Sie mag abenteuerlich, humorvoll, schrecklich, schwachsinnig, bewegend oder eine Kombination dieser sein.

Manchen natürlich, sagt all das nichts. Darüberhinaus kann es in einem Kunstwerk Ebenen der Intimität geben,

Schattierungen von Ehrlichkeit, Abstufungen von Absurdität geben. All dies trifft zu auf eine Zeichnung, eine

Malerei oder etwas geschriebenes. Es geht darum ein Licht anzuzünden, etwas zu kristallisieren durch Charakter,

die Wahrheit zu sagen auch wenn diese ein Widerspruch ist, ein Labyrinth, eine Paradoxie in sich selbst.

Die Zeichnung, die Malerei und die Schrift helfen zu transformieren, helfen zu transmutieren, helfen zu heilen.

Aber heilen wovon? Heilen von Erfahrungen, heilen von der Geschichte, heilen vom Leben. Wir alle leben, also

brauchen wir alle Heilung, wieder und wieder, kontinuierlich. 





Der Schlagzeuger Tony Allen spielt als wenn er einen Rhythmus aus einer anderen Sphäre hört und ihn ins hier

überträgt. Als wenn er einem ‚Woanders‘ zuhört. Wie taucht man nun in diesen scheinbar existierenden Frequenz-

bereich ein, der eine Quelle für Kunst ist? Wie stimme ich die innere Antenne auf Empfang um in diesen scheinbar

endlosen Fluss der Möglichkeiten einzutauchen? Lernen zuzuhören? Weniger Ratio, mehr Intuition? Sich leiten lassen,

vollkommenes Vertrauen haben? Was fühlt sich richtig an? Was verlangt der Rhythmus? Am Ende ist es eine Symbiose,

ein Dialog zwischen dem Rhythmus, der Melodie und dem / der Empfänger / in.





Der Nebel liegt zwischen den Dingen. Einerseits berührt und umgibt er alle Dinge und macht somit ihre Zusammen-

hänge sichtbar und andererseits überdeckt und verhüllt er und macht Dinge unsichtbar. Der Nebel gibt einem die

Möglichkeit etwas blindes zu malen, etwas das versteckt ist, etwas das in diesem Moment überdeckt ist. Der blinde

Fleck rückt ins Zentrum. Im Wolkendschungel ist es eine Gleichzeitigkeit von Nebel und Rauch, eine Gratwanderung.

Der Nebel deutet in die Auflösung und agiert als Pforte in die Ebene der Vorstellung in der die freien Assoziationen

der Betrachter ihren Raum erhalten.



Schwingung und Der Tanzende Strich


Zwei Dinge, die mir wichting sind in der Malerei. Das eine nenne ich Schwingung. Ich habe über die Jahre gemerkt,

dass meine liebsten Bilder die sind, von denen eine Art Schwingung ausgeht. Eine Leinwand ist natürlich eine flache,

zwei dimensionale Oberfläche, aber wenn man sie betrachtet, hat man den Eindruck, dass sie wabert oder die Luft

vor dem Bild sich bewegt. Fast als wenn das Bild atmet. Manchmal dauert es lange um das zu erreichen, manchmal

gelingt es nicht, doch manchmal gelingt es. Dann nenne ich es Schwingung. Das andere ist Der Tanzende Strich.

Wir alle haben ihn als Kind. Wenn man dann etwas älter wird und anfängt zu reflektieren, was man da macht, sagt

man zu sich selbst, was zum Geier mache ich hier? Ich hatte ihn auch verloren und die letzten Jahre gekämpft um

ihn wiederzuerlangen. Es ist ein freier, mutiger Strich, er ist natürlich und authenthisch und ich bin sehr dankbar,

dass er wieder zu mir zurückgekommen ist.